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➽ Biografía de Fractale

Las narrativas cinematográficas de Alejandro Otaola en “Fractales”. por Fabián de la Cruz Polanco.

A la par de sus actividades como miembro de las agrupaciones “Santa Sabina” y “La Barranca”, Alejandro Otaola consagra sus primeros catorce años de trayectoria con el lanzamiento de “Fractales”, su primer material como solista, el cual es un proyecto en el que se fusionan diferentes maneras de componer, grabar, producir y acercarse a la música.

Además de incluir pasajes abstractos de guitarras eléctricas, en este material se incluyen temas que diluyen las fronteras entre la energía del rock, la espontaneidad del jazz y las posibilidades milimétricas de edición que ofrece la música electrónica.

Por otra parte, los temas que se incluyeron son experimentos de rock electrónico, en los que hacen “cameos”, tomando en cuenta que “Fractales” es para Alejandro Otaola “como un soundtrack dentro de un concepto muy especial, en el que la música se percibe de una manera muy especial”, importantes figuras de la escena del rock y el jazz de México.

Entre ellos, podemos mencionar a Sabo Romo, Alfonso André, Carlos Maldonado, Rita Guerrero, Jordi Soler, Fratta, Jimena Giménez Cacho, Jorge “Cox” Gaytán, Gabriel Bronffman, Alfonso Figueroa, Ángel Mosqueda y Juan Sebastián Lach, entre otros, hasta completar alrededor de 30 nombres más.

Normalmente, la música busca mantener o crear una continuidad en su discurso, pero en este disco “la fragmentación entre las canciones de estudio y los momentos en vivo, las partes de cada canción y los diferentes músicos que se usaron para interpretar cada fragmento, sirven para dar la sensación de que escuchamos la banda sonora de una película y la manera en que cada escena cinematográfica, a su vez, está fragmentada en varias tomas, encuadres, shots, etcétera”, comentó Otaola.

Para ilustrar estas canciones y darle mayor presencia a su concepto, “Fractales” incluye un DVD, realizado por el mismo Alejandro Otaola, en el que las imágenes hacen contrapunto y acompañan once de los 15 tracks del disco, formando un cortometraje audiovisual experimental.

Además, en el DVD se incluye un “detrás de cámaras” en el que se puede observar, en imagen, a los músicos que realizaron los “cameos musicales”.

Fractales es para todos sus invitados, una colaboración y a la vez un homenaje, tomando en cuenta que cada uno de ellos ha sido de gran influencia para el crecimiento musical de Otaola. La participación de cada uno de los ejecutantes fue lo último que se grabó de cada pieza que se incluyó en el disco. De esta manera, al llegar al estudio y escuchar su “escena” la única instrucción del director fue “Ahora, toca lo que quieras”.

Las referencias cinematográficas en “Fractales” de Alex Otaola. Cada track del CD se encuentra emparentado conceptual o musicalmente con narrativas cinematográficas. A continuación se explican estas referencias y además se enlistan los fragmentos que fueron robados de bandas sonoras para aderezar la atmósfera de cada canción.

2-BANDA APARTE. Este clásico multicitado de la nueva ola francesa era una reinvención lírica de las películas de gangsters; aquí la música comienza con los elementos básicos del rock (blues eléctrico y batería) que poco a poco son fusionados con la electrónica. Antes del clímax de la canción, se busca dar la sensación de que la película se bota del proyector y el tema tiene que volver a plantearse (ahora con una base rítmica real-Sabo Romo y Alfonso André); haciendo alusión a las intromisiones del narrador durante “Bande à Part” y en particular a la escena del Madison.

2001 (SK) Une femme est un femme (JLG) Bande à Part (JLG)

III-VIENTO DEL ESTE. Este título ha servido para libros, películas anti-imperialistas y partes meteorológicos… creo que hace alusión tanto a la sonoridad del track, a una postura política y a la primera toma del video correspondiente.

Nosferatu (Werner Herzog) La Chinoise (JLG) Deux o trois choses que je sais d’elle (JLG) Heart of Glass (Herzog)

4-UBIK. Este es el título de un libro de Philip K. Dick (“Blade Runner”, “Minority Report”, “A Scanner Darkly”, “Total Recall”, etc) que todavía no se convierte en una película pero cuya trama sirve de guía para la transformación musical que sufre el track pasando de electrónica futurista a freejazz de los 50’s.

Santo contra la invasión de los marcianos (Alfredo Crevenna)

V-LA CONVERSACIÓN. La trama de la película de Coppola gira alrededor de la paranoia que genera la grabación distorsionada de una conversación... aquí el sonido de la guitarra se pixelea para que tengamos que imaginar qué es exactamente lo que está haciendo.

Bajo California (Bolado) Mean Streets (Martin Scorsese) The Passenger (M. Antonioni)

6-AMNESIA. Hace alusión tanto a la narrativa fragmentada de la película de Chris Nolan (cd-una canción dividida en 2 partes en blanco y negro + 2 partes a color) como a la historia en la película homónima de Gabriele Salvatore (dvd-imágenes que muestran una expedición al desierto que se transforma en un viaje interior).

Le petit Soldat (JLG) Tout va bien (JLG)

VII-LOS PÁJAROS. Diferentes capas y texturas hechas con guitarra eléctrica procesada generan la sensación ominosa de las parvadas de Hitchcock.

Vampiros en La Habana (Juan Padrón) Solaris (Andrei Tarkovsky)

8-1/2. Transformación rítmica y melódica de un fragmento del score de Nino Rota para el clásico de Federico Fellini.

La Dolce Vita (Fellini)

IX-INTERMEDIO. El único track en el que la guitarra aparece sin procesar. Los visuales emplean la “Isla de las Muñecas” de Xochimilco como una analogía de la violencia de género.

Pierrot le Fou (JLG) Le Mepris (JLG) Man with the Movie Camera (Dziga Vertov)

10-METRÓPOLIS. Una canción que hace énfasis en el ritmo, la “línea melódica” se crea a partir de la yuxtaposición de varios elementos rítmicos individuales. La progresión de acordes se construye a partir de un pedal continuo que termina y comienza en el grado armónico más alejado de la tonalidad.

Mulholland Dr (David Lynch) Pierrot le Fou (JLG)

Deux o trois choses que je sais d’elle (JLG) Metropolis (Fritz Lang)

XI-EL DESPRECIO. Una misma idea melódica que se repite para finalmente adquirir sentido dramático, así como en el score de Georges Delerue para la clásico Le Mepris.

Le Mepris (JLG) El enigma de Gaspar Hauser (Herzog)

12-EL ECLIPSE. Como en las narrativas de Antonioni, aquí encontramos una canción que nos roba la atención durante otra canción para que después nos cuestionamos cuál es la relación entre ambas. Como un sueño dentro de un sueño… o una caja china.

Vértigo (Hitchcock) Eyes Wide Shut (Kubrick) My Best Fiend (Herzog) Saló (Pier Paolo Passolini) M (Fritz Lang) La Chinoise (JLG) Woyzeck (Herzog) Fitzcarraldo (Herzog)

XIII-DOS O TRES COSAS (que hice con ellos). Un juego de palabras sobre la clásica “2 o 3 cosas que se de ella” (un ensayo-collage acerca de la vida en la ciudad) para presentar un collage de colaboraciones documentadas en vivo junto a Jimena Giménez Cacho y Jorge “Cox” Gaytán + el dúo Eblén Macari/Alejandro Otaola.

Aro Tolbukin (Agustí Villaronga) Last Year in Marienbad (Alain Resnais) Deux o trois choses que je sais d’elle (JLG) Stroszek (Herzog)

14-FIN DE CINEMA. Weekend, la última película de la primera etapa de Godard es un catálogo de pirotecnias visuales (incluyendo el famoso dolly de 10 minutos de un embotellamiento) con la cual JLG se despidió de la narrativa comercial. Este track trata de condensar en una sola pieza todos los recursos formales que se emplearon en distintos momentos del disco.

“Audio entrevista” (JLG) The Third Man (Carol Reed)

XV-EL AÑO PASADO EN… Debido a la naturaleza circular del disco este track puede ser considerado tanto el final como el principio del viaje; el título hace alusión al clásico de Resnais en donde se pierden las coordenadas narrativas entre qué es real, qué es ficción, qué es relato, qué es presente y/o qué es futuro.

Last Year in Marienbad (Alain Resnais) The Party (Blake Edwards) Once upon a time in the west (Sergio Leone) The cook, the thief, his wife and her lover (Peter Greenaway) Rashomon (Akira Kurosawa) Almost Famous (Cameron Crowe) Weekend (JLG)

“...no importa de dónde lo tomes, sino hacia dónde lo lleves...”. Jean Luc Godard.